Damas y caballeros, respetable público, en este escenario se presentarán reseñas y críticas de cine independiente o clásicos de este mágico arte. ¡Tome asiento y disfrute de la función!
Dirección: Krzysztof Kieslowski Guion:Krzysztof Piesiewicz, Agnieska Holland, Edward Zebrowski, Slawomir Idziak,Krzysztof Kieslowski País: Francia - Polonia Género: Drama Año: 1993
SinopsisEn un accidente de coche, Julie pierde a su marido Patrice, un prestigioso compositor, y a su hija Anna. Al recuperarse de sus lesiones, decide comenzar una nueva vida, independiente, solitaria y anónima, alejada de los privilegios que antes disfrutaba. Pero en su vida se cruza Sandrine, una periodista especializada en música, que la persigue intentando probar que era Julie quien componía las piezas que hicieron famoso a su marido. También trata de sacarla de su aislamiento Olivier, el ayudante de Patrice, que está enamorado de ella desde hace muchos años, y que acaba convenciéndola para que termine el «Concierto para Europa», una ambiciosa obra inacabada de Patrice. (Tomado de Filmaffinity) ESta película constituye la Triglogía de los Tres Colores, inspirada en la bandera francesa, azul, blanco y rojo, estos a su vez están relacionados a los ideales revolucionarios franceses: Libertad, igualdad, fraternidad. Escrita, producida y dirigida por nada más y nada menos que Krzysztof Kieslowski, un genio del cine, reconocido por obras como Decálogo (impresionante trabajo dividido en 10 producciones) y otras más de gran calidad.
Bleu (Azul) es la primera entrega y se requiere un análisis más profundo que una simple reseña para hablar sobre la forma en que su director logra transmitir sensaciones tan intensas en su trama. Podríamos hacer todo tipo de intrepretaciones, pero en algo nos debería de hacer coincidir: En la búsqueda de la libertad. Este es un cine que está a un nivel muy lejano al del simple entretenimiento, es más bien una obra para reflexionar, para hacernos preguntas y hundirnos en la situación de Julie. Algo muy comùn en las películas de Kieslowski. Describo esta pelícla y en general la obra de Kieslowski como un hermoso poema cinematogáfico. Bleu es sumamente intimista, puede llegar a ser aburrida para muchos, pues a veces, en vez de transmitir su mensaje a través de sus diálogos (que no hacen falta en absoluto), lo hace por medio de su detalles, iluminación, simbolos, silencios, rostros... Excelente la actuación de Juliette Binoche (nos involucra en su drama). El color azul también es protagonista y llega a abrumar a la protagonista recordándole aquello que no la deja ser libre, un recuerdo doloroso...
La música... estremecedora. La producción... monumental, en este aspecto quiero destacar la gran cantidad de recursos, técnicas, creatividad y demás detalles que la hacen una excelente producción. En fin, una obra que es considerada por muchos como una de las mejores producciones de la historia del cine. El pasado siempre estará ahí, ¿Terminará Julie la obra inacabada?
Cuatro cartones, pues, en mi caso, había momentos en que me aburría.
Dirección: Serguéi EisensteinGuion: Nina Agadzhánova y Seguéi Einsenstein País: Unión Soviética Género: Drama, Melodrama Año: 1925
La semana anterior reseñé la película soviética La Madre, clásico del universal, ahora le toca a otro film también soviético imprescindible, el cual responde importante a una evolución en lo que al séptimo arte se refiere, en su época presentó grandes avances en lo que a lenguaje audiovisual se refiere.
Esta película muda es bella en fotografía, planos, secuencias y montaje. Su guion al igual que en La Madre tiene una connotación propagandística en favor del gobierno soviético, incluso llegó a ser prohibida en algunos países como Francia, Alemania e Inglaterra por su contenido revolucionario (leí que durante un tiempo fue censurada en la misma Unión Soviética).
La película tiene una de las secuencias más memorables del cine, la cual transcurre en La Escalera de Odesa, junto a la solemne escena de la madre que lanza por las escaleras a su bebé en coche... Importantes directores han redido tributo a Eisenstein creando una escena similar en sus películas (Hasta en Los Simpson se hace referencia al coche rodando por las escaleras).Por cierto se dice que esta parte está parcialmente basada en un acontecimientos similares en el Puerto de Odesa.
Otra escena grandiosa escena, entre otras más, es la del cadaver que sostiene entre sus manos un cartel que dice: "Por una cuchara de sopa". Debo señalar que algunas partes me parecen un poco cursi (solo un poco) y cuando tratan de mostrar la fraternidad entre los revolucionarios las actuaciones no me convencen mucho, aún así esto es solo un detalle dentro de la película completa.
La tensión que se mantiene durante la trama, especialmente en las secuencias donde se desata un conflicto o revolución, son dirigidas majestuosamente por su director. En el descenlace toda esa tensión llega a un punto de extasis tan tremendo hasta culminar de buena forma (creo que la sensación debe ser parecida a la que experimenta un hombre al desactivar una bomba sin ser especialista en la materia jajaja).
Pueden encontrar la peli completa en Google video.
Dirección: Abbas Kiarostami Guion: Abbas Kiarostami País: Irán Género: Drama Año: 1997
Sinopsis: El señor Badii conduce por Teherán en busca de alguien que acceda a realizar cierto trabajo para él de una gran suma de dinero. Durante las conversaciones con los candidatos, revela que su plan es suicidarse y que incluso ha cavado su propia tumba por lo que solo necesita encontrar un hombre dispuesto a enterrar su cuerpo sin vida.
A veces uno desería que la vida fuera tan dulce como las cerezas, hay momentos en los que uno desearía que todo terminara de una buena vez, bueno, con un interesante argumento, el personaje principal nos invita a subir a su automóvil (excelente uso de la cámara, simple, efectivo, muy sugestivo...) para exponernos por qué el suicidio es una salida, eso sí, se rehusa a decirnos por qué es que quiere hacerlo, cuál es su problema.
Este filme consagró al director Kiarostami como uno de los directores más importantes de la comunidad cinematográfica internacional y además hizo que todos dirigieran su mirada hacia la producción iraní. Por este film ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes junto a La anguila de Shohei Imamura.
En ese viaje exploraremos distintos razonamientos sobre teología, filosofía o morales por los cuales sus acompañantes se niegan a su petición. Uno de ellos le recordará la belleza de un atardecer, el olor de una flor, la sensación de un abrazo o la sonrisa de un niño... aunque este es el único dispuesto a hacer el trabajo... por otro lado Tadii está decidido... Con pocos recursos económicos esta película utiliza la creatividad para darnos una escenografía que se basa en un automóvil y un valle seco, esteril, pedregoso y terroso. Al igual que otros, coincido en que la película se alarga innecesariamente, aunque si a uno le interesa el tema acabará por soportarlo sin problema.
¿Logrará su cometido nuestro amigo? El director maneja exquisitamente la historia, por lo cual nos permite ponernos a esperar con ansias qué pasará con nuestro amigo Badii. En un tema tan trillado como el suicidio, esta película nos ofrece un tratamiento interesante.
Dirección: Vsévovold Pudovkin Guion: Nathan Zharki -basado en la novela de Gorki País: Unión Soviética Género: Drama, Melodrama Año: 1926
Sinopsis Narra algunos acontecimientos revolucionarios previos a la Revolución Rusa de 1917. La base del relato es el sufrimiento de una madre por el dolor de perder a un hijo (arrestado por ser cómplice en un levantamiento) y a su esposo, alguien que apoya a los que aplastan el espíritu revolucionario para así mantener el estatus social. Entonces, la mujer campesina tomará conciencia sobre la lucha social y evitará a toda costa la muerte de su hijo.
Se trata de una adaptación de la novela homónima de Máximo Gorki. Es una obra con tintes propagandísticos a favor del régimen soviético de aquella época, sin embargo lo que más la convierte en un clásico, en mi opinión, es que revolucionó algunas técnicas fílmicas como la composición y el uso de los planos de detalle (en ese sentido también es una película revolucionaria jajaja mal chiste).
En especial rescato el trabajo hecho en la composición, simplemente es hermosa, el manejo del claroscuro precioso, en cada encuadre no sobra nada (común en el cine clásico pero aquí son geniales) y están tan bien manejados que logran transmitir muy bien los sentimientos de angustia... también es posible que te incite a rebelarte contra el yugo de los poderosos y aristocráticos, malditos cerdos capitalistas jaja otra broma sin gracia... hoy es mi día.
Su guion es sencillo pero suficiente para regalarnos tomas y escenas que son memorables en el cine universal (Por ejemplo: La mujer de pie y firme, a punto de ser herida lavanta sobre su pecho el asta donde se suspende la bandera roja o el rostro de la madre, de rodillas en el suelo, angustiada al ver cómo los guardias se llevan a su hijo). Se puede decir que, en general, la primera parte del largometraje transcurre lento y en la parte final llega a su climax cuando se desata el incontrolable espíritu revolucionario. A diferencia de la mayoría de críticas que he leído al respecto, a mí me gusta más la primera parte, aunque la toma con la bandera me deja sin aire, me lleno de tal ansiedad que espero emocionado lo que va a suceder, en fin, diría otra pésima broma pero supongo que tengo algo de revolucionario... Vsévovold Pudovkin se convertiría es uno de los más prodigiosos directores soviéticos. Es poco realmente lo que puedo agregar de un clásico de clásicos del cine.
Sinopsis:En el fondo plantea un problema existencial: la impotencia. Un hombre mira cómo su esposa padece una enfermedad terminal y hace lo que sea para evitar que muera (o por lo menos pasar los últimos días junto a su esposa como en un cuento de hadas).
Para lograrlo, incluso, llega a solicitar un préstamo a la Yakuza (mafia japonesa que lo presiona asfixiantemente para que pague la deuda) y deja de lado todos aquellos valores que una vez lo distinguieron como un policía honorable y efectivo. Además de esto, lamenta cómo sus compañeros, a causa de su trabajo, han muerto cumpliendo su deber o, en el caso de su mejor amigo, postrado en silla de ruedas y refugiándose en la pintura surrealista como vía de escape a sus problemas. Todo esto sin que el personaje principal pueda hacer algo para evitarlo.
En general este es Nishi, un policía sumamente violento, que en cualquier instante, inclusive tomando una copa, te puede meter unos palillos en el ojo o hacer que perdás un litro de sangre de un solo puñetazo (jaja exagero un poco, pero nada más un poco). Imagino que este tipo de escenas sirven para mostrar lo agresivo del personaje, quien en apariencia es pasivo, pero en especial creo que es para dar espetáculo sangriento y atractivo para muchos. Su director es todo un showman de la T.V y el cine en Japón.
A pesar de que ganó el León de Oro en el Festival de Venecia y la mayoría de las críticas son positivas, a mí no me pareció gran cosa, por momentos siento que la película no fluye, sin embargo hay detalles muy interesantes, el problema planteado tiene profundidad y trata de separarse del típico policía gringo de Hollywood, aunque siempre hay espacio para algunos "chichés". La fotografía tiene sus buenos momentos (la parte del banco, las cartas en el auto me gustan mucho, algunas tomas con las pinturas también, pero otras siento que sobran o quizá no las entendí). En las escenas ciertos cortes me parecen innecesariamente bruscos. Como sea logra mantener el ritmo del relato.
Quiero aprovechar para destacar el trabajo musical de Joe Hisaishi (El viaje de Chirino y Violines en el Cielo o Despedidas, por mencionar un par de sus más de cien bandas sonoras), exquisito.
El final de esta violenta historia puede hacerte reflexionar (y quizá a algún cursi le saque una lágrima jaja es broma). En fin, la recomiendo para aquellos que gusten ver en una película de policías algo más que buenos persiguiendo a los malos.
Dirección: Krzysztof Kieslowski 
dividido en 10 producciones) y otras más de gran calidad.
